DISEÑO INDUSTRIAL UNIVERSIDAD JAVERIANA
diseño en los años 50
diseño en los años 50
DISEÑO AMERICANO EN LOS 50
¿Qué es el estilo Retro?
Características de los muebles de estilo Retro
¿Qué es el estilo Retro?
Características de los muebles de estilo Retro
Después del final de la segunda guerra mundial y de la reconstrucción de la destruida y arrasada Europa tras la contienda internacional, Estados unidos se establece como un nuevo centro artístico y cultural donde muchos artistas y diseñadores encuentran su refugio y hogar (muchos diseñadores europeos abandonaron su patria por su religión o por sus creencias políticas. Su creatividad se vio cortada y por desgracia, algunos como Friedrich Adler, fueron torturados y asesinados en campos de concentración). Esto supuso la mezcla perfecta de la cual surgieron los más importantes productos dentro del diseño del mobiliario del siglo XX al otro lado del charco.
En cuanto al interiorismo en los años 50, se produce un cambio fundamental que repercutirá en toda la década y que tendrá un reflejo en el conjunto de la sociedad. Tenemos que situar a Estados Unidos como el lugar geográfico donde aparecen todos estos avances, un país que tras recuperarse por completo de la crisis del 29, crea lo que hoy conocemos como sociedad de consumo.
Tanto el aumento y modernización de los medios de como el boom e impacto de la publicidad, hace que los 50 americanos provoquen un deseo de cambio en la sociedad, un nuevo estilo de hogar donde establecer la familia ideal potenciada y basada en los cánones establecidos por la publicidad. Todo esto genera el ansia y la necesidad de adquirir nuevos productos, nuevos looks, nuevos muebles… en definitiva, nuevos productos que se acoplen a este nuevo estilo de vida.
Si juntamos el aumento de diseñadores y artistas en el territorio estadounidense y la progresiva demanda de productos con una estética actual y nueva, tenemos como resultado un binomio perfecto para los grandes avances que tuvieron lugar a lo largo de esa década.
El mobiliario de la época sufre un cambio radical a la hora de realizar su diseño. Son eliminados toda clase de ornamento o elemento decorativo, se deja de usar materiales que puedan recordar aun pasado más o menos próximo y se incorpora la ergonomía como necesidad en los diseños de mediados de siglo.
Actualmente los años 50 han vuelto a ponerse de moda ya sea en la moda, en diseño gráfico o en el mobiliario y arquitectura. Series como Mad Men han vuelto a propulsar un prototipo de diseño que ha enganchado a miles de personas.
El estilo Retro, muebles, características y diseño han llegado con fuerza a los muebles, la decoración y la moda.
La estética de los años 50 a 80 (aunque puede incluir piezas más antiguas o más modernas) se hizo hace años un hueco en la decoración y, de momento, aquí sigue.
La serie Mad Men, exitosa desde sus comienzos, abrió a sus seguidores las puertas de un diseño del pasado cercano y se puede decir que ha tenido un punto de influencia en las tendencias decorativas que marcan este estilo.
La serie acabó pero lo Retro, hasta que no se demuestre lo contrario, sigue estando en la calle.
¿Quieres aprender a usar el estilo Retro?
El Estilo Retro comienza con los muebles y la decoración de los años 50 y abarca las décadas de los 60, 70 y 80. Las referencias retro incluyen tanto a los originales y como a las reproducciones inspiradas en aquella época.
Es fácil confundir con Vintage. Este se refiere también a muebles y objetos anteriores a esos años, que deberían ser originales.
En cualquier caso vas a encontrar que estas definiciones conviven en el lenguaje de la calle. y no encuentran una linea de separación.
La tendencia a fusionar y mezclar borra el punto en el cual comienzan y terminan cada uno.
Así vas a encontrar denominaciones retro-vintage o vintage para lo retro.
Lo cierto es que, al fundirse varias décadas, también se mezclan algunas características que fueron cambiando con los años. Los 50, por ejemplo, mostraban una estética más austera que los 60 y 70, pero fueron, claramente, el punto de partida.
• Muebles de líneas rectas y estilizadas. Encontramos piezas estilizadas, con líneas rectas y prácticamente sin adornos. Las patas de los muebles, como aparadores, vitrinas y otros auxiliares son rectas y delgadas, casi siempre cilíndricas. Las mesas de comedor y de café muestran el mismo diseño pero, al ser más altas, es más ligero y aéreo.
Icono de los 50 fue Charles Eames, que experimentó con el diseño de metales (y otros materiales). Fue el creador de la base metálica soldada en sus sillas y se convirtió en referente absoluto y reconocido al ser el primero en ser invitado por el MoMA a hacer una exposición indiviual.
Otros diseñadores de estos años fueron Eero Saarinen y Harry Bertoia. Hay que decir que estos, junto a otros iconos del diseño tienen su propio reconocimiento. Son modernos y sus piezas clásicas que encajan y encajarán siempre.
A finales de la década de los 60 y los 70 los muebles van adquiriendo formas más redondeadas y gruesas e incorporando materiales como el plástico. Empiezan a aparecer muebles que luego se convertirán en habituales de los hogares, producto de los cambios que se están dando en la sociedad, como las camas literas, los sofás convertibles y, con la aparición de la televisión, muebles para colocarla.
También hacen su aparición otros elementos, muy populares, como los muebles-bar, incorporados a los living, las mesas camareras con ruedas, las banquetas altas y se van incorporando paulatinamente las zonas de tertulia a los salones junto a los espacios para ver la televisión en familia.
Otros muebles novedosos de la época son el sofá modular y las mesitas telefoneras.
• Los colores de los tapizados. Las tapicerías pasan de ser grises en los 50, sobrias y elegantes, a los colores alegres y vistosos de los 60 y los años de la estética hippie. Los 50 suman una decoración urbana, cosmopolita, del Nueva York en el que se mueven las grandes compañías, reflejada en infinidad de películas y series.
Los tapizados van desde la piel, hasta imitaciones de ésta, pasando por las más lujosas como el terciopelo o la pana.
Los sesenta aportan diseños pop, con colores estridentes y dibujos grandes y vistosos en telas y tapizados. Son comunes las rayas, los círculos grandes y dibujos grandes y geométricos también en los papeles pintados. Los colores dan paso a los más psicodélicos y futuristas de los años posteriores. En los 70 se busca lo lúdico y divertido.
• La madera, protagonista, alterna con otros materiales. La madera es protagonista así como el cristal. Puedes encontrar acabados brillantes en maderas tipo formica y mesas de café que se combinan con espejos, cristal y cromo en las patas de sillas y mesas.
• Surge el diseño “propio”. Es en la década de los 80 es cuando muchos expertos estiman que el diseño, como tal, se populariza. Surgen numerosas iniciativas individuales que se mezclan con el pluralismo de estilos, tendencias y diseño, algunos de grupos. Se camina hacia el eclectismo y se experimenta con nuevos materiales. Diseñador destacado en esta década es el diseñador Philipe Stark.
En la actualidad, lo Retro es tendencia. Lo encontramos una y otra vez en los textiles, en los muebles, en los diseños de los sofás e, incluso, en los papeles pintados renovados. Casi todo, eso sí, lleva la etiqueta de “neo”.
http://muebles.about.com/od/Estilosmuebles/a/B-Asicos-Del-Estilo-Retro-Muebles-Caracter-Isticas-Y-Dise-No.htm
Cesare (conocido como Joe) Colombo (Milán, 1930) es una de las figuras más importantes del diseño contemporáneo. Esencialmente autodidacta, estudió en la Academia de Brera y en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán. Antes de convertirse en diseñador, fue pintor, constructor, vendedor de coches (su pasión por los coches le acompañó durante toda su vida) y empresario en el sector eléctrico.
Contenedor Bobby (1964):
Uno de los carros contenedores más populares de la historia del diseño, creado para garantizar una fácil composición vertical que se caracteriza por su gran versatilidad. La estructura y los cajones son de ABS moldeado por inyección, mientras que las ruedas son de polipropileno. Bobby recibió el primer premio en el SMAU 1971 y forma parte de la colección permanente del MoMA y de la Triennale de Milán.
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Módulo Ring (1964):
Ring es un módulo contenedor formado por una estructura de chapa pintada y dos estantes de madera de roble que puede utilizarse individualmente y combinándose entre sí. La primera opción puede ser una mesita mientras que agrupándose multiplica su capacidad decorativa creando estanterías, mesitas con diferentes formas o elementos divisorios. También hay disponible una versión con ruedas.
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Multichair (1970):
Sistema transformable de gran versatilidad, formado por dos elementos de diferentes formas. Los cojines acolchados son de poliuretano expandido y están revestidos con tejido elástico, mientras que el juego de formas se obtiene a través de dos correas de cuero y piezas de acero. Multichair forma parte de la colección permanente del MoMA y del Museo de Arte Metropolitano de Nueva Nueva York.
Sobre Joe Colombo:
Cesare (conocido como Joe) Colombo (Milán, 1930) es una de las figuras más importantes del diseño contemporáneo. Esencialmente autodidacta, estudió en la Academia de Brera y en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán. Antes de convertirse en diseñador, fue pintor, constructor, vendedor de coches (su pasión por los coches le acompañó durante toda su vida) y empresario en el sector eléctrico.
En el año 1963, abrió su primer estudio en Milán, especializado en diseño de producto, diseño de interiores y stands. Colombo comenzó experimentando con nuevos materiales como el plástico reforzado y novedosas técnicas de construcción y fabricación de cara a la producción industrial. Esta experimentación dio lugar a una serie de “máquinas para vivir” como Visiona 1, Total Furnishing, Roto-Living, Cabriolet Bed y Mini-cocina.
A lo largo de su trayectoria trabajó con firmas como Abet Laminati, Alessi, B-Line, Boffi, Candy, Cosmit / I Saloni, Kartell, O-Luce, Olivari, Palluco, Progetti, Vitra Design Museum y Zanotta, entre otras.
Joe Colombo, fallecido tempranamente el 30 de julio de 1971 en el día de su 41 aniversario, ganó tres medallas en la XIII Triennale de Milán (1964), por la lámpara Acrilica, el Combi-Center y la Mini-Cocina; el Compasso d’Oro (1967) por la lámpara Spider y el aire acondicionado Candyzionatore; el International Design Award por las lámparas Coupe y Spring; el Premio Tecnhotel por la silla Universale; y el SMAU por el carro Bobby.
En 1969, tres de sus diseños formaban y parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).
Sobre B-Line:
Desde su nacimiento en 1999, esta firma italiana, con sede en la ciudad de Padua, ha demostrado su interés por los clásicos del diseño con las reediciones de varios de ellos firmados por Joe Colombo, Rodolfo Bonetto y Kazuhide Takahama. Junto a ellos, B-Line trabaja con otros diseñadores como Karim Rashid, Neuland, IntheDetail, Alessandro Masturzo o Christophe Moinat.
B-Line es una empresa sensible a los temas relativos al impacto ambiental, derivados de la producción industrial, el transporte y el uso que se haga de los recursos. Es por eso que trata de diseñar de forma inteligente, fabricando mobilibiario “made in Italy” que sea realmente útil y vaya más allá de tendencias pasajeras y meras modas. Aunque esto no signifique renunciar a la estética o a la originalidad: sólo hace referencia al cuidado que tienen en la toma de sus decisiones, tratando de mejorar constantemente en términos de sostenibilidad.
http://interioresminimalistas.com/2015/07/07/joe-colombo-la-magia-del-diseno-de-los-anos-60-70-reeditada-por-b-line/
DISEÑO POP
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Coke Can Phone
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El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura popular en esa década.
Con la expansión del Pop en el arte de las décadas '50 y '60, éste empezó a manifestarse también en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento joven y menos grave que el "buen diseño" de los años cincuenta. El diseño Pop era muy estilizado, buscaba el efecto inmediato pero efímero, por lo que era intrínsecamente obsoleto ("úselo hoy, bótelo mañana"). Así por ejemplo, la sillas infantiles de cartón o plástico creadas en los años sesenta, eran básicamente desechables.
En la misma década, muchos diseñadores optaron por el plástico como material de trabajo, puesto que sus nuevas formas y procesos de modelado eran cada vez más habituales y baratas. Los colores chillones y las formas asociadas al arte Pop barrieron con los últimos vestigios de austeridad de la postguerra. El diseño Pop, con sus asociaciones antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado 'menos es más' del movimiento moderno y condujo directamente al diseño radical de los años setenta.
El Pop design se inspiraba en una gran variedad de fuentes (Art Nouveau, Art Déco, futurismo, surrealismo, Op Art, psicodelia, Kitsch) y recibió el estímulo del auge de los medios de comunicación globales.
El diseño POP (popular) Americano de los años 70`s y 80`s se caracterizó por incorporar lenguajes propios de la sociedad de consumo en los productos , dandole a valores como la función y calidad un segundo plano de importancia , utilizando cualquier producto como "medio de promoción" fiel al concepto consumista de la sociedad. El slyling aplicado a productos industrializados se basaron en la estetica de “artes menores” de la vida contemporánea: publicidad, embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los cincuenta.
En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las molduras por inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antitesis de la “intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta.
Con la expansión del Pop en el arte de las décadas '50 y '60, éste empezó a manifestarse también en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento joven y menos grave que el "buen diseño" de los años cincuenta. El diseño Pop era muy estilizado, buscaba el efecto inmediato pero efímero, por lo que era intrínsecamente obsoleto ("úselo hoy, bótelo mañana"). Así por ejemplo, la sillas infantiles de cartón o plástico creadas en los años sesenta, eran básicamente desechables.
En la misma década, muchos diseñadores optaron por el plástico como material de trabajo, puesto que sus nuevas formas y procesos de modelado eran cada vez más habituales y baratas. Los colores chillones y las formas asociadas al arte Pop barrieron con los últimos vestigios de austeridad de la postguerra. El diseño Pop, con sus asociaciones antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado 'menos es más' del movimiento moderno y condujo directamente al diseño radical de los años setenta.
El Pop design se inspiraba en una gran variedad de fuentes (Art Nouveau, Art Déco, futurismo, surrealismo, Op Art, psicodelia, Kitsch) y recibió el estímulo del auge de los medios de comunicación globales.
El diseño POP (popular) Americano de los años 70`s y 80`s se caracterizó por incorporar lenguajes propios de la sociedad de consumo en los productos , dandole a valores como la función y calidad un segundo plano de importancia , utilizando cualquier producto como "medio de promoción" fiel al concepto consumista de la sociedad. El slyling aplicado a productos industrializados se basaron en la estetica de “artes menores” de la vida contemporánea: publicidad, embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los cincuenta.
En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las molduras por inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antitesis de la “intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta.
El carcaseo plástico es totalmente independiente a su función. En esta nota tome solamente telefonos como ejemplos, pero fue aplicado a un sin número de productos.
Una caracteristica particular de este tipo de diseño, es que la marca del productor del objeto, pasa a un lugar casi invisible para resaltar la marca del producto promocionado. Es asi como muchos de estos productos son fabricados por segundas marcas, utilizando tecnologías inferiores en calidad y precio.
Curiosamente estos productos de menor calidad y "diseño", no solo fueron muy bien recibidos por la sociedad consumista en su momento 70`s y 80`s sino que también poseen en la actualidad un gran valor afectivo , esto se ve reflejado un vinculo emotivo y nostalgico mucho más fuerte que productos basados en el "buen diseño" .
Una caracteristica particular de este tipo de diseño, es que la marca del productor del objeto, pasa a un lugar casi invisible para resaltar la marca del producto promocionado. Es asi como muchos de estos productos son fabricados por segundas marcas, utilizando tecnologías inferiores en calidad y precio.
Curiosamente estos productos de menor calidad y "diseño", no solo fueron muy bien recibidos por la sociedad consumista en su momento 70`s y 80`s sino que también poseen en la actualidad un gran valor afectivo , esto se ve reflejado un vinculo emotivo y nostalgico mucho más fuerte que productos basados en el "buen diseño" .
El diseño Pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó algunos de los cimientos del Postmodernismo.El moviemiento posmoderno se caracterizó por sacar al diseño de esa posicion aburrida, adulta y funcional de la modernidad, creando un vinculo emotivo mucho más grande y cercano, sobre todo en el grupo social integrado por adolescentes.
La sociedad de consumo, la cultura POP y los gustos kitsch Americanos influenciaron estos lenguajes con el fin de buscar enriquecer la experiencia, la emotividad y su vinculo cultural, con el entorno inmediato d ela sociedad de consumo. El usuario común de la clase media americana , se ve más atraido y encuentra mayores vinculos culturales con el bombardeo del lenguaje coemrcial que con cualquier otro lenguaje que lo aparta de su vida cotidiana.
Muchos de los diseños posmodernos son incómodos y poco prácticos y se convierten más en algo para observar , siendo parte de ese sentido de una adoración exagerada por valores estéticos relacionados con modelos de belleza y juventud superficial.
El mercado supo explotar esta tendencia social y comenzó a elaborar productos para este nicho social, sando formas significativas disociadas por completo de la función.
El lenguaje lúdico supo convertirse en el lenguaje por excelencia de este periodo. El lenguaje infantil y adolecente, cargado de referencias irreverencia, libertad , rompiendo con el rigor del periodo moderno , abrió todo un abanico de libertades de expresión.
Estos lenguajes, por lo general carcaseos plásticos totalmente independientes a su función , su inspiración se basa en todo aquel lenguaje que sabe extraer de los referentes de la vida POP (sociedad de consumo). La imagen de la música (Mtv) , la incorporación a referencias como Marcas y logos a productos. Relacionados con la reveldia y referencias urbanas comoGraffittis.
DISEÑO POP Y POSMODERNIDAD
El arte y el diseño POP generaron una gran influencia sobre diseñadores y arquitectos americanos e italianos de los años 70's.
A partir de mediados del '70, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido.
De igual manera grupos experimentames de diseñadores italianos militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños "neopop" que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981.Este grupo se le conoce como Menphis.
DISEÑO POP Y POSMODERNIDAD
El arte y el diseño POP generaron una gran influencia sobre diseñadores y arquitectos americanos e italianos de los años 70's.
A partir de mediados del '70, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido.
De igual manera grupos experimentames de diseñadores italianos militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños "neopop" que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981.Este grupo se le conoce como Menphis.
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M & M Candy Dish Phone
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Hot Lips Phone
http://historia-disenio-industrial.blogspot.com.co/2014/04/diseno-pop.html
Diseño en los Años 70’sGRAFICA DE LOS 70 EN CHILE
En 1967, las escuelas de arte de las universidades vivieron una época de cambios y reestructuraciones en sus programas lo que decantó en la fundación de las primeras escuelas de diseño del país. La Universidad de Chile impartió la carrera por primera vez en el año 1967 a través de la creación del departamento de diseño.
Aún no implantada la reforma universitaria de 1968 que impulsara la Universidad de Chile se detectaron falencias y sign
 os de estancamiento en los métodos de enseñanza de la vieja Escuela de Artes Aplicadas. La reforma permitió a través del arquitecto Ventura Galván, decano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Chile, comenzar el impulso para la formulación de la carrera de Diseño. Bajo este contexto el papel de escuela para diseñadores gráficos, que en gran número se autoformaron en sus conocimientos y habilidades trabajando para medios gráficos y publicitarios, fue realizado por las grandes editoriales como Zig-Zag. En ella se diseñaban títulos y textos tomando como referencia letras recortadas de publicaciones estadounidenses y europeas, ello, por el escaso nivel técnico del medio profesional chileno.
Gracias a la actuación de las agencias publicitarias que iniciaron estudios de mercado que contribuyeron al lanzamiento venta de nuevos productos que fomentaron una cultura del consumo, fue que se incorporó la aplicación de distintos soportes como etiquetas y envases, proyectando en ellos formas y colores que respondían más a tendencias extranjeras y en menor número miradas que reflejaban al público nacional.
En el diseño de logotipos e isótopos predominaron el tipo Sans Serif grueso, ilustraciones con mayor grado de
 complejidad, creando imágenes que se instalaban en el inconsciente colectivo de las personas.La gráfica en movimiento también tuvo su desarrollo a través del diseñador formado en la Escuela de Artes Aplicadas Enrique Bustamante En 1981 se creó la Universidad de Valparaíso y con ella la Escuela de Diseño en donde comenzó a impartirse la carrera de diseño gráfico bajo la tutela del arquitecto Sandalio Valdebenito, el pintor e ilustrador Sergio Rojas y el grabador Eduardo Pérez Tobar. A su vez en 1967 llegó el turno de la Universidad Católica, donde se c  reó una estructura de estudio colectivo lo que promovió el trabajo en equipo y el intercambio de experiencias artísticas. En 1976 se formará definitivamente la escuela de diseño.
El creciente es
 píritu autodidacta que formó a diseñadores antes del surgimiento de las escuelas en Chile, llevó a estos a rechazar y ver con desinterés esta evolución debido a que planteaban el argumento que el diseño no se podía estudiar sino formar a través de la práctica.El desarrollo del diseño en las universidades fue encausado hacia un objetivo claro, buscar soluciones a problemas que favorecieran la calidad de vida y el desarrollo tecnológico.
El contexto social reinante en Chile donde el poder popular comenzaba a encontrar su máxima expresión, gatillo la proliferación de afiches y murales de corte político tomándose de esta forma el espacio publico.
El submarino amarillo de heinz Edelmann en 1966, se transformo en un referente importante para toda una generación de ilustradores y diseñadores en el país. También implanto su influencia los carteles Hippies psicodélicos y estilos como el Art Nouveau y el simbolismo europeo desembocando en lo que mas tarde se llamo “Postermania”.
Todo esto permitió la comercialización de postres de diseñadores como Peter Max y Víctor Moscoso, encontrándose gráficas de grupos musicales como The Beatles y Bob Dylan, y en el tema más político los del Che Guevara. Mas tarde también entro en la escena nacional el cartelismo cubano.
La visión unificadora y populista del gobierno hizo proliferar la producción del cartelismo, la industria editorial y el muralismo, llevada a cabo por brigadas como la de Ramona Parra, Inti Peredo y Elmo Catalán.
 El estado hizo aportes que permitieron la producción de afiches con temáticas culturales, educativas y políticas, apartando de sus convicciones la producción publicitaria que fomentara el consumo de productos.  Vicente Larrea hizo escuela con su estilo de colores llamativos, de trazo muy grueso y fondos degradados. El diseñador Hernán Venegas fue influenciado por este estilo que fue descartado por los sectores academicistas más cercanos a la teoría que a la aplicación y practica del diseño gráfico. Otros diseñadores como Jorge Lillo, Juan Lazo, Patricio Andrade y Carlos Muñoz sintonizaron con las imágenes producidas por Larrea, donde lo aplicaron en el diseño de marcas, divizandose las formas redondeadas de bordes gruesos y tipografías expresivas del tipo Bold. Otro referente fue el diseño de carátulas de discos del movimiento de la nueva canción chilena, entre otras, siendo desarrollada por Luis Albornoz que además utilizo letras y dibujos inspirados en grabados de la lira popular.
DISEÑO EDITORIAL
La editorial ZIG-ZAG toma un rumbo de profunda influenciacion estatal traspasándole sus instalaciones en 197
 1. Mas tarde pasa a llamarse editorial nacional Quimantu, enfocando su producción hacia los sectores más populares llevándola a obtener una enorme difusión debido al aumento considerable de publicaciones.
El nuevo espíritu de esta editorial que se desarrollo entre los años 1971 y 1975 agrupo a un numero importante de diseñadores e ilustradores que iniciaron proyectos como lo fue la popular rev
 ista Onda. Esta publicación emblemática fue desarrollada por Carlos Rojas. Esta revista de corte juvenil adopto el fuerte colorido de la moda en la que se generaron portadas impresas en negativo y solarizado. Sus tipografías recibieron influencias de los alfabetos ornamentales de la segunda mitad del siglo XIX.Nombres como el de Hernán Vidal se enfocaron en el desarrollo de proyectos de historietas y otros como la revista Paloma caracterizándose por un lenguaje visual sencillo y popular de colores cálidos.
Editorial Lord Cochrane fue una editorial privada que se transformo en la competencia directa de Quimantu. Llevo a cabo producciones como Mampato con el trabajo de los ilustradores Eduardo Armstrong, Themo Lobos y Vitorio di Girolamo entre otros.
https://disenodelos80.wordpress.com/diseno-en-los-anos-70s
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